Ganar dinero con la música: ¿No fans? No hay problema.

 Ganar dinero con la música: 

¿No fans? No hay problema.

Una forma de ganar dinero con la música es centrarse en los clientes comerciales. Echa un vistazo a estas fuentes de ingresos que no requieren ninguna audiencia o fans.

Crear una base de fans para tu música original requiere tiempo y trabajo. En primer lugar, tienes que encontrar un grupo de personas a las que les guste lo que haces y convertirlas en fans. Esto incluye conseguir que te sigan en los servicios de streaming, en las redes sociales y que acudan a tus espectáculos en directo, ya sea online o en un local. A continuación, tienes que convertir a tus fans en clientes; idealmente, fans que te paguen regularmente. Pero, ¿y si no quieres crear una base de fans? ¿Puedes ganar dinero sin seguidores y centrarte sólo en hacer música? Puedes hacerlo, aprovechando las docenas de fuentes de ingresos que no requieren fans.

Base de fans vs. clientes empresariales

En lugar de dedicarte a desarrollar tu propio público, fans y seguidores, otro enfoque es centrarte en desarrollar un buen conjunto de contactos comerciales. Siguiendo esta vía, puedes ganarte la vida complaciendo a un puñado de clientes que te pagan por tu música.

Los clientes empresariales tienen necesidades musicales específicas y, en la medida en que puedas satisfacerlas, estarán dispuestos a pagar por tus servicios. Algunos necesitan música para sus trabajos audiovisuales, como películas, televisión, trailers de películas, videojuegos y publicidad. A continuación se indican algunas de las fuentes de ingresos que puedes aprovechar cuando tratas con clientes comerciales:

1. Licencias.

Hay algunos detalles complicados y muchas fuentes de ingresos disponibles. La conclusión es que la gente tiene que pagarte si quiere usar tu música en sus vídeos, películas, programas o videojuegos. Puedes cobrar lo que quieras por la licencia. Por eso, algunos músicos se ganan la vida simplemente concediendo licencias de su música grabada a estos clientes comerciales.

Si quieres dedicarte a las licencias, conoce a los supervisores musicales. Son las personas que eligen y licencian la música para sus proyectos. Puedes conocerlos personalmente y convertirlos en clientes comerciales sabiendo lo que quieren y estableciendo una red de contactos. Pero si no quieres salir de tu estudio y reunirte con la gente, siempre puedes colocar tu música en las bibliotecas musicales que sirven a estos clientes empresariales. El enfoque de "rociar y rociar", de poco esfuerzo, para generar acuerdos de licencia es utilizar bibliotecas no comisariadas como SongTradr o SynchTank. Se trata de recursos que muchos supervisores musicales, directores de cine y otros creativos consultan para encontrar la música adecuada para sus proyectos.

Puedes apuntar un poco más alto si te esfuerzas por llegar a las bibliotecas curadas para ver si aceptan tu música. Algunos ejemplos son APM, Jinglepunks, Audiosparx, AudioSocket, GettyImages Music y MusicSupervisor, y hay muchos más. Algunas se especializan en usos concretos, como Songlily, que se centra en la concesión de licencias de música para juegos y aplicaciones, y Motionarray, que se centra en el vídeo. Las bibliotecas seleccionadas pueden incluir tu música "tal cual" o pueden pedirte que escribas música en géneros y estilos específicos (o tú puedes sugerírselo). En ese caso, tendrás que llegar a un acuerdo con ellos por tus servicios, la mayoría de los cuales son trabajos por encargo: te pagarán por adelantado por tus servicios, pero luego serán dueños de los derechos de autor para poder licenciar la música ellos mismos.

Otro ejemplo es TAXI, que agrupa los anuncios de búsqueda de las empresas de comunicación. Cobran una cuota de inscripción y por envío, pero si tu música es elegida por el potencial licenciante, TAXI se pone en contacto contigo para llegar a un acuerdo de licencia.

2. Derechos de autor.

Naturalmente, Spotify, Apple Music y otros servicios de streaming pagan derechos de autor cuando los fans escuchan tu música, pero como estamos hablando de flujos de ingresos no relacionados con los fans, ten en cuenta que los derechos de autor se pagan independientemente de cómo se utilice tu música. Por ejemplo, una vez que obtengas la licencia de tu música en una película, un programa de televisión, un tráiler de película o un anuncio publicitario, esto te generará derechos de autor. Por eso, para asegurarte de que recibes estos cheques, deberás registrar tu música. 

Asegúrate de estar inscrito en las PRO de composición (como ASCAP, BMI o SESAC), en SoundExchange y en el MLC. Además, asegúrate de pedir derechos de autor en el extranjero para poder cobrar el dinero generado fuera de tu país.

Si quieres un "botón fácil" para ayudarte, echa un vistazo a los administradores de publicaciones como CD Baby Publishing, que pueden ayudarte a recaudar muchos de tus registros por una parte de lo que ellos recaudan. Ten en cuenta que ningún administrador de publicaciones recauda todos los derechos que se te deben, así que tendrás que hacer algo de trabajo si quieres recaudar todo lo que se te debe.

3. Ingresos de estudio y producción.

Puedes licenciar y vender algo más que tu música terminada. Si grabas en casa en una DAW, generas todo tipo de archivos de música como stems, beats, samples (originales) y efectos de sonido que se pueden licenciar para su uso sincronizado en cine, televisión, trailers de películas, publicidad y mucho más. Además, puedes crear sonidos de sintetizador, presets únicos y otros archivos de diseño de sonido que los músicos quieran licenciar y utilizar en sus trabajos. Existen mercados como Splice, Beatport.com, Beatstars.com y Airbit.com, y si te pones en contacto con ellos y no aceptan usar tus archivos, puedes venderlos tú mismo en sitios de descarga como Shopify y SquareSpace.

4. Ingresos por música en directo.

No es necesario tener una base de fans para tu espectáculo en directo si agendas bodas, fiestas y eventos corporativos. Siempre puedes cultivar un buen conjunto de clientes mediante el marketing tradicional o utilizar sitios como SonicBids y Gigmasters. También puedes centrarte únicamente en el circuito de giras universitarias. Además, si eres un artista, puedes actuar como músico de concierto o incluso unirte como músico de acompañamiento a una banda de gira que haya hecho el duro trabajo de generar una base de fans.

Aprovechar estas corrientes.

Para aprovechar estas corrientes, mucho depende de aprender a desarrollar relaciones con los clientes comerciales. Es posible que tengas que desarrollar un conjunto de habilidades diferentes a las de conseguir fans para tu música, pero puede ser más sencillo porque hay menos gente a la que llegar y todo lo que tienes que hacer es convencer a unos cuantos para que hagan negocios regulares contigo. Esto depende de tus habilidades para establecer contactos y de tu capacidad para cultivar relaciones comerciales.

Estas fuentes de ingresos siguen estando a tu disposición aunque quieras crear una base de fans, pero estas opciones te dan la oportunidad de generar ingresos constantes a partir de clientes privados antes de pasar por el gasto y el esfuerzo de crear una base de fans. Por supuesto, cultivar las relaciones comerciales con supervisores musicales, clientes corporativos, compradores de música y producción musical, servicios de comisariado y bookers también lleva tiempo, pero puede generar ingresos fiables a corto y largo plazo.

Éxitos!

7 Técnicas para producir un live streaming convincente.

 Crear transmisiones en vivo atractivas va más allá de poner una cámara y actuar como lo haces en el escenario. Utiliza estas técnicas para crear una mejor actuación, conseguir más espectadores y ganar más dinero con tu espectáculo en directo.

Las Sesiones en Vivo o “Live Sessions” son el formato de presentación por excelencia en tiempos de Pandemia, sin embargo, también son la mejor carta de presentación de tu Banda o Proyecto Musical ya que en una sesión en vivo puedes mostrar al público lo que tu proyecto musical es capaz de transmitir en realidad. Ahora mismo están en auge las presentaciones y festivales en directo de diferentes géneros musicales donde tu banda o proyecto se dan a conocer a través de redes sociales y plataformas digitales, con videos del performance capturado en directo.

Los músicos han pasado de tocar en directo en el escenario a hacerlo en línea a través de plataformas de streaming, pero crear un espectáculo sólido en línea no es tan sencillo como apuntar una cámara y tocar música. Hay muchas técnicas que puedes integrar en el proceso del espectáculo en directo y que te ayudarán a crear mejores actuaciones, conseguir que te vean más fans y ganar más dinero en el proceso.

Utiliza estas siete técnicas para crear un espectáculo en directo atractivo y convincente.

1. Construye gradualmente tu set up de producción.

Al principio, empieza de forma sencilla utilizando sólo una cámara, como la de tu portátil o teléfono. Luego, con el tiempo, puedes ir mejorando la configuración paso a paso, mejorando la iluminación, el audio y creando un set que se vea bien en la cámara, que tenga enlaces a tus redes y haga que tu merchandising sea visible. También puedes empezar a utilizar herramientas como el Open Broadcaster Software (OBS), que te permite crear superposiciones, añadir efectos y utilizar varias cámaras. Cada vez que realices un cambio, pruébalo primero en una grabación para ver cómo queda. Aunque todas estas cosas requieren algo de esfuerzo y tiempo, pueden hacer que destaques en comparación con otras actuaciones en línea y que sea más probable que tu público disfrute de la actuación y te siga visitando.

2. Modifica tu performance.

Tu objetivo es crear una actuación online entretenida que tus fans disfruten viendo. No es necesariamente el mismo espectáculo que tu actuación en directo. Como cada canción es diferente, no deberían parecer iguales a tu público. De hecho, tu objetivo debe ser hacerlas tan distintas visualmente que se sepa qué canción se está interpretando incluso si se reproduce la canción con el sonido silenciado. Para ello, utiliza las distintas partes de tu zona de "escenario" y la pantalla.

Aunque toques en el salón de tu casa o en el sótano, imagina que estás actuando ante un público en directo, no en una habitación vacía con una cámara. Algunos artistas incluso ponen una foto de un público delante de ellos para poder visualizarlo mejor. Además, la mayoría de las actuaciones en línea son muy personales y tienen un poco más de chanza entre las canciones para responder a la gente que está hablando en el chat o haciendo preguntas. Como no hay público en la sala, es la mejor manera de crear la sensación de que los espectadores están viviendo una experiencia compartida con muchas otras personas.

3. Crea un tema especial para el show.

Cuando tocas en directo, tienes la ventaja de conseguir un público gracias a la atracción natural del local de música en vivo, así como de otros artistas que comparten el cartel. En cambio, cuando se toca en línea, hay que atraer puntualmente a los espectadores y se compite con muchas otras opciones. Para atraer a los espectadores, además de utilizar todas las técnicas de promoción habituales y de promocionar el evento dentro de la plataforma de streaming que utilices, haz que el evento sea especial de alguna manera. Para ello, métete en la cabeza de tu público y piensa en lo que le gustaría. Por ejemplo, un espectáculo de "Meditación y música", "Fin de semana de relax" u "Hora feliz" podría ser el tema perfecto para una noche de entretenimiento. Más allá de estos eventos temáticos, también puedes utilizar portadas para atraer al público. Por ejemplo, el artista George Hrab lanzó recientemente una serie de espectáculos de versiones basados en hacer "13 canciones" por actuación e hizo una noche de Police y Sting que anunció con antelación. Utiliza todas las técnicas de promoción probadas para que tu evento se comparta en línea y tenga posibilidades de aparecer en las búsquedas de la web.

 

4. Elige las plataformas adecuadas.

Cuando haces una transmisión en vivo, tienes la oportunidad de elegir la plataforma. Hay muchas opciones, como Twitch, YouTube Live, Periscope, Facebook Live, Mixer y YouNow. Aunque puedes optar por una sola, también puedes hacer una transmisión simultánea a varias plataformas para poder captar una mayor audiencia utilizando herramientas como Restream.io. Ten en cuenta que algunas plataformas no funcionan bien con otras; por ejemplo, Facebook no te permite hacer multidifusión hacia ella si estás reproduciendo el flujo en cualquier otro lugar. Si eliges una sola plataforma, selecciona la que mejor puedas monetizar o la que tenga las características con las que te sientas más cómodo.

5. Toca con regularidad.

Aunque no hay nada de malo en hacer un espectáculo puntual, para crear una audiencia hay que actuar con regularidad. Internet premia la constancia y los fans se acostumbrarán a verte cuando tengas una actuación programada, aunque debes producir espectáculos con variedad para que vuelvan.

6. Monetiza tu plataforma.

Añade enlaces en la transmisión y el chat para promocionar tu sitio web, tu mercancía, tus botes de propinas, tu cuenta de Patreon y otras fuentes de ingresos. También puedes integrar tus fuentes de ingresos en tu programa, lo que significa hablar de tu mercancía (y posiblemente usarla), promover tu patrocinio y hacer crecer tu base de suscriptores. Además de hablar con tu público sobre ello, también puedes utilizar las distintas superficies que están a la vista de la cámara para mostrar carteles promocionales con enlaces o añadir una superposición digital utilizando herramientas de software de vídeo como OBS.

7. Asegúrate de que todos tus shows tengan buenos hashtags.

Asegúrate de añadir hashtags en las descripciones de tus programas. Esto puede atraer a los espectadores, ya que tu transmisión aparecerá en las búsquedas dentro de la plataforma y también en las páginas dedicadas a ese hashtag. Siempre puedes utilizar los hashtags #music y #livemusic. Además, añade hashtags relacionados con el tipo de espectáculo que vayas a realizar, como la temática del mismo, como #meditación o #boozymusic. También puedes utilizar los hashtags de tendencia, eventos actuales y noticias recientes. Y si haces un espectáculo de versiones, utiliza los hashtags de los grupos que versionas para que los fans de esos grupos te encuentren.

Asegúrate de tomar esta lista de sugerencias de una en una para no abrumarte. Puedes empezar por grabarte y ver cómo queda antes de ponerte delante de la cámara. Sigue ajustando las cosas hasta que te sientas cómodo. Una vez que tengas listo el show, el siguiente paso es promocionarlo. Al emplear estos consejos, crearás una mejor actuación, conseguirás más espectadores y ganarás más dinero con tu streaming.

Cómo sobrevivir como músico en el siglo XXI: 5 importantes tips.

Consejos del mundo real sobre cómo cultivar las relaciones, la comercialización y el producto físico, y ser creativo con la forma de sobrevivir como músico en el siglo XXI.

Nunca ha sido fácil depender de las artes para ganarse la vida. Ya seas músico, pintor, poeta, dramaturgo o cineasta, el camino hacia el éxito suele estar marcado por los escombros de los fracasos del pasado. Aunque Internet ha creado oportunidades para relacionarse directamente con tu base de fans y distribuir música, también ha creado un entorno ferozmente competitivo y abarrotado en el que hacerse notar y conseguir que te paguen por tus esfuerzos puede consumir todo tu tiempo y energía.

A pesar de ello, los músicos se han mostrado resistentes e ingeniosos, adoptando nuevas formas de distribución y creación musical, descubriendo nuevas formas de aumentar la audiencia y encontrando nuevas vías para monetizar sus esfuerzos creativos. Mantener un cierto equilibrio entre los aspectos creativos, promocionales y comerciales de la industria musical traza un camino que puede mantenerte solvente y creativamente satisfecho.

1.- Centrarse en los oyentes.

Un buen consejo que podrías dar a tu yo mas joven si pudieras retroceder en el tiempo y comunicar lo que has aprendido sobre cómo ser un músico de éxito en el siglo XXI, sería que te centraras en los oyentes más que en las ventas. Haz la mejor música que puedas y llévala a los oídos de la gente a la que le gusta el tipo de cosas que estás creando. Con 10x, 100x, 1.000x oyentes, todo lo demás es posible.

2.- Mirar siempre hacia adelante.

A mediados de los 90, en los albores de la era digital, pero antes de que las redes sociales se impusieran, otro sabio consejo habría sido no firmar ningún contrato con organizaciones que prometieran distribución. El valor que ofrecía el contrato discográfico tradicional estaba a punto de disminuir precipitadamente. Las restricciones del 'contrato estándar' se convirtieron en un obstáculo para un artista preparado para la transición a la era de la música digital.

En aquel momento, Napster estaba abriendo paso a un modelo que acabaría arrasando en el mundo de la música, ya que ofrecía a los músicos la posibilidad de conectar con una comunidad masiva de oyentes que buscaban activamente bandas desconocidas. De repente, las posibilidades de descubrimiento para los músicos se dispararon. Era el intercambio de cintas de mezclas multiplicado por infinito. Al principio parecía una amenaza porque todos temían perder el control de toda mecánica. Pero ese control había desaparecido en el momento en que se copiaron los primeros mp3. Sube al carro y consigue nuevos oyentes. Esto era la nueva radio indie.

.- 3 Has las cuentas antes de ir de gira.

La mayoría de los músicos en activo han renunciado al modelo anterior a la era digital de conseguir un contrato discográfico y embarcarse en una glamurosa gira mundial. Y, cuando se mira detrás del telón, las giras no son tan bonitas en el mundo real. Un artículo publicado en The Guardian describe la realidad de las giras: un pastiche de horas interminables en furgonetas y habitaciones de hotel. El artículo cita al productor Mat Zo (Matan Zohar), nominado a los Grammy, sobre las pruebas de las giras: "Es fácil dejar que tu mente y tu cuerpo se hundan, incluso para una persona con un estado emocional saludable. Para los que tienen ansiedad, las habitaciones de hotel son como celdas de prisión".

4 .- Cultivar la fidelidad de los fans.

En el tumultuoso mundo musical actual, la importancia de establecer y mantener una base de fans activa y leal es vital. "Los verdaderos fans seguirán pagando para apoyarte porque te quieren, pero siempre pueden conseguir la música gratis. Hay que encontrar formas de conseguir que los fans compren tus proyectos, ya sea mediante un club de fans con ventajas u otros métodos de monetización de la fidelidad (merchandising).

Hay que tomarse muy en serio la lista de correos y empezar a llegar a la gente por esa vía. Lo importante para un artista musical se ha convertido rápidamente en la capacidad de comunicarse directamente con sus oyentes".

5.- Ganar dinero: los detalles.

La venta de productos sigue siendo una forma fiable de aumentar los ingresos. La gente compra camisetas, gorras, parches, afiches, etc, y los fans siguen comprando CDs. 

Hay que aprender el oficio y hacer la mejor música posible, cultivar la relación con los fans, hacer que el merchandising y los productos físicos generen ingresos y ser creativo a la hora de producir y promocionar el arte en la era digital.

Éxitos!

Historia del CD: 40 años del disco compacto.

 Hace un poco mas de cuarenta años, el mundo vio por primera vez lo que se convertiría en uno de los dispositivos musicales más importantes de la historia: el disco compacto (CD).

El CD se inventó en 1979. En una época anterior a la existencia de la música en línea, se convirtió en la forma más sofisticada de almacenar y reproducir música.

En el 25º aniversario de su primer lanzamiento al público, se calculaba que se habían vendido 200.000 millones de CD en todo el mundo.

Aquí tienes todo lo que necesitas saber sobre el CD.

¿Qué es un CD?

En 1979, el primer prototipo de CD se dio a conocer a los entusiastas de la tecnología en Europa y Japón. Un año después, las empresas de electrónica Philips y Sony se asociaron para empezar a trabajar en los CD para el público.

Se decidieron por un disco de almacenamiento delgado, brillante y circular, que podía contener unos 80 minutos de música y que podía colocarse en un reproductor de CD para reproducir música a todo volumen.

Los CD se pusieron a disposición del público en 1982 y rápidamente se convirtieron en la forma más eficaz de almacenar música.

Antes de los CD, la música se almacenaba y reproducía en vinilos y cintas de casete.

Los discos de vinilo eran mucho más grandes que los CD y podían romperse fácilmente.

Las cintas de casete utilizaban cinta magnética y la música se reproducía de izquierda a derecha. Una vez terminada una cara, se le daba la vuelta para escuchar más canciones en la otra.

Aunque las cintas de casete eran pequeñas, los CD pronto se hicieron más populares porque se podía saltar directamente a la canción que se quería escuchar.

En 2007 se habían comprado y vendido más de 200.000 millones de CD en todo el mundo.

Datos curiosos.

.- El primer CD de la historia fue un álbum de 1982 del grupo pop sueco Abba llamado The Visitors

.- El CD más vendido de todos los tiempos es el de Eagles 1976 Greatest Hits, que vendió más de 38 millones de copias.

.- Si se apilaran todos los CD del mundo, darían seis vueltas a la Tierra.

.- Un programa de la BBC llamado Tomorrow's World presentó el CD al público británico en 1981. El presentador Kieran Prendiville se mostró escéptico sobre "si existe un mercado para este tipo de discos". Lol.

7 rasgos bien marcados de los músicos de éxito.

 Consejos sobre las cualidades necesarias para encontrar el éxito en la música, o en cualquier cosa que te propongas.

Uno de los mejores libros escritos sobre cómo alcanzar el éxito es "Piense y hágase rico" de Napoleón Hill. Es un clásico que sin duda hay que consultar, y vamos a destacar algunas cosas del libro sobre los rasgos que tienen las personas de éxito, que pueden aplicarse fácilmente a los músicos de éxito.

1. Aprende a cooperar.

Ser capaz de trabajar con la gente y encontrar tu red de contactos es muy importante, especialmente en la industria musical. Vas a trabajar en bandas y a colaborar con otros músicos, vas a trabajar en asociaciones y equipos si trabajas en la industria -trabajando en un sello discográfico o una editorial o una empresa de marketing- y tienes que ser capaz de trabajar en cooperación y aprender a escuchar. También tendrás que aprender a aceptar las críticas, a motivar a los demás y a dejarte motivar por ellos, a hacer que la gente se sienta responsable y a que la gente te haga responsable a ti.

Incluso si trabajas por tu cuenta como artista en solitario, tendrás que ser capaz de trabajar en cooperación con otras personas. Puede que subcontrates el trabajo a desarrolladores web, que trabajes con distribuidores, etc, así que esto es extremadamente importante porque a algunas personas les resulta realmente difícil tratar con otras personas. Esto te va a perjudicar mucho si no lo descubres, así que realmente tienes que aprender a ser cooperativo y a trabajar de forma productiva con los demás.

2. Nunca frenes tu entusiasmo.

Si no tienes un fuego ardiendo dentro de ti, estás en problemas. Si sólo te centras en el oro que hay al final del arco iris, en cuanto haya alguna prueba o tribulación, te vas a retirar. Necesitas ese fuego y esa creencia en lo que haces para querer seguir adelante. Tienes que sentir una gran pasión por lo que haces, y a veces es muy difícil encontrarla. Pero una vez que encuentras algo que te encanta, ¡no hay quien te pare!

3. Afina tu enfoque.

Si te cuesta mantenerte concentrado en lo que tienes que hacer, te va a resultar difícil tener éxito. Hay muchos obstáculos y distracciones en la vida: hay relaciones, problemas familiares, problemas con los amigos, problemas sociales... y el negocio de la música tiene una forma de tomarlos y agravarlos y añadir muchos más. La vida es complicada y tienes que ser capaz de centrarte en tu música y en tu carrera sin dejar que esas cosas se interpongan. Si puedes hacerlo, podrás seguir en el juego y, con suerte, lograr lo que quieres. Las cosas no suceden de la noche a la mañana, así que la paciencia también es una parte muy importante para mantenerte centrado en tus objetivos y hacer lo que tienes que hacer para conseguirlos.

4. Sé decisivo.

Tienes que ser capaz de tomar decisiones con bastante rapidez y tienes que ser capaz de mantener tus decisiones. En otras palabras, a menudo tendrás que ser capaz de detectar oportunidades y aprovecharlas de inmediato, porque si esperas, pasarán de largo. Cuando te lanzas, tienes que ser capaz de mantenerte firme. Demasiados músicos hacen lo contrario: les cuesta tomar decisiones y dejan pasar las oportunidades, y luego, cuando toman decisiones, abandonan si las cosas no salen como ellos quieren.

5. Encuentra tu especialidad.

En lugar de ser el rey de todos los oficios, sé el rey que sabes que puedes ser. Aprende algo que sepas hacer realmente bien y, en el mejor de los casos, hazlo de una forma que nadie más pueda hacer. Encuentra algo que te guste hacer y luego encuentra una forma única de hacerlo. Ahora tienes una especialidad. De lo contrario, te mezclarás con las masas y nunca te harás un nombre.

6. Establece objetivos manejables.

Para tener éxito, necesitas tener objetivos muy específicos. Tienes que fijarte en algo específico y medible, porque cuando los objetivos son medibles, puedes gestionarlos. La pérdida de peso es un buen ejemplo. Si dices "quiero perder peso", pierdes un kilo y ya está. Pero si quieres conseguir algo muy específico, quieres pasar de 105 kilos a 85, puedes subirte a la báscula y seguir el progreso de 110 kilos a 100 y 85... puedes gestionar ese progreso y preguntarte: "¿Qué estoy haciendo bien? ¿Qué estoy haciendo mal? ¿Qué está funcionando y qué no?" Entonces puedes ajustar. Eso es muy importante. Si haces las cosas al azar y esperas que todo salga bien, eso no es una estrategia, la esperanza no es una estrategia.

7. Cultiva relaciones sanas.

Rodéate de la gente que quieres y que te quiere. Intenta involucrarte en situaciones en las que la gente se preocupe por ti y te levante. Una mala relación puede hacerte retroceder de muchas maneras. Por supuesto, es fácil decirlo y más difícil hacerlo, pero trabaja para evitar las malas relaciones, los malos amigos, los malos compañeros de banda, y aprende de los errores y reconoce las señales para no seguir repitiéndolos. Las malas relaciones pueden arrastrarte hacia abajo, la negatividad es infecciosa, y quieres mantenerte alejado de eso.

Éxitos!

Por Qué Cualquiera Puede Subir Tu Música a YouTube (y por qué no les han demandado)

 

YouTube es la mayor plataforma de descubrimiento de música del mundo, donde los músicos independientes pueden monetizar su música y cualquiera puede publicar lo que quiera, tenga o no los derechos. ¿Qué significa esto para ti y tu música?

Una de las razones por las que YouTube se ha hecho tan grande es porque permite que cualquiera suba a la plataforma el contenido que quiera, lo que se llama "contenido generado por el usuario" o CGU, aunque el que lo suba no tenga los derechos del contenido.

Esto permite que los vídeos se vuelvan virales -lo que es estupendo-, pero también permite la infracción masiva de los derechos de autor. Hoy quiero hablar de cómo es posible que cualquiera pueda infringir los derechos de autor de un artista en YouTube y que la plataforma aún no haya sido demandada.

Por ello, tenemos que agradecer a otro acrónimo: la infame DMCA (Digital Millennium Copyright Act). La DMCA es la ley estadounidense que interpreta dos tratados mundiales sobre derechos de autor de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual. Estos tratados penalizan las tecnologías que eluden la gestión de derechos digitales, o medidas DRM, y los intentos de las personas de eludir esas medidas DRM.

Ahora bien, lo interesante, y esencial para la supervivencia y el éxito de YouTube, es que también exime de responsabilidad a los proveedores de servicios de Internet como Verizon, ATT y Xfinity -y a intermediarios como YouTube- cuando sus redes o plataformas se utilizan para difundir o consumir contenidos que infringen los derechos de autor.

El argumento es que es imposible para esas plataformas vigilar todo el contenido que fluye por sus tuberías y que permitir el acceso a los contenidos digitales es de mayor interés para el público que responsabilizar a los grandes proveedores de servicios de Internet por los contenidos infractores.

Te guste o no, esa es la ley.

Cómo funciona el Content ID.

Sin embargo, para que YouTube siga funcionando, ha tenido que implementar una tecnología para identificar a los propietarios de todos los contenidos de su plataforma. Esta tecnología, llamada Content ID, permite a YouTube identificar tres tipos diferentes de contenido:

.- Contenido de vídeo

.- Contenido de grabaciones de sonido de música

.- Composiciones musicales

Content ID reconoce el contenido en clips de tan sólo 30 segundos, y otras plataformas de administración de YouTube pueden identificar fragmentos de una canción utilizada en el vídeo de alguien tan cortos como sólo seis segundos. Cuando Content ID identifica contenido que es propiedad de un tercero -música de la que tienes los derechos en el vídeo de otra persona, por ejemplo- te permite hacer una de estas dos cosas 1) emitir un aviso de retirada para que se retire el contenido infractor o 2) monetizar el contenido, que es lo que acaban haciendo la mayoría de los propietarios de contenidos.

¿Por qué monetizar en lugar de emitir solicitudes de retirada?

Retirar contenidos de YouTube es como jugar al topo. Con miles de millones de usuarios, cada uno de los cuales puede subir lo que quiera, sea o no propietario de los derechos, en cuanto se retire un vídeo con tu música, otros usuarios subirán otros vídeos con la misma música.

Los propietarios de contenidos que solicitan que se retiren regularmente pagan mucho dinero a los administradores de contenidos de YouTube para que lo hagan. Como artista independiente, no tienes el presupuesto para hacerlo. Además, ¿por qué querrías hacerlo? En esta etapa de tu carrera musical, la distribución no autorizada de tu música no es tu mayor problema. Tu mayor problema es que no hay suficiente gente que escuche tu música, y YouTube es una gran plataforma para descubrir música.

Puede ser duro oír esto, pero la infracción de los derechos de autor en la plataforma de YouTube está permitida y, a todos los efectos, no se puede detener.

Y aunque esto es molesto y puede parecer injusto, te recomiendo que dejes a un lado tu enfado y frustración y lo aceptes como un hecho. Algunas personas pondrán tu música en YouTube, aunque tú no quieras. Y a efectos prácticos, no podrás evitarlo. Es como enfadarse porque ha llovido durante tres días seguidos. Puedes enfadarte por ello. Quieres que deje de llover. Pero no puedes cambiar nada al respecto.

¿Qué música se puede monetizar a través de Content ID de YouTube?

La música original se puede monetizar a través de Content ID, y debes poseer los derechos tanto de la composición de la canción como de la grabación de sonido. Pero hay algunas excepciones a esta regla, ya que algunos contenidos de audio, incluso para composiciones originales, no pueden ser monetizados a través de Content ID.

¿Por qué? Bueno, si un elemento de audio de tu grabación es lo suficientemente similar o idéntico a un elemento de audio de otra grabación, el sistema de Content ID puede confundirse entre las dos canciones y saber quién es el titular oficial de los derechos y, por tanto, a quién hay que pagar. Por lo tanto, los siguientes tipos de contenido de audio no son elegibles para la monetización de YouTube Content ID:

.- Grabaciones de karaoke

.- Remasters o grabaciones con sonido similar.

.- Canciones que utilicen ritmos, bucles o samples disponibles de forma gratuita en 

 aplicaciones musicales o estaciones de trabajo de audio como Garage Band, Ableton, Fruity Loops o Logic.

.- Canciones que utilicen ritmos que hayas alquilado o comprado (a menos que seas el propietario absoluto de ese ritmo y nadie más tenga derecho a utilizarlo en línea)

.- Canciones con elementos de audio o samples sobre las que no tengas el derecho exclusivo de uso.

.- Canciones que utilicen elementos de audio de dominio público o con licencias abiertas como creative commons.

Ten en cuenta que incluso las canciones con beats con licencia exclusiva pueden ser descalificadas para el Content ID si el beatmaker concedió previamente la licencia de ese beat a otros artistas. Así que te aconsejo encarecidamente que preguntes al productor o beatmaker específicamente sobre la monetización en YouTube y obtengas toda esa información por escrito antes de comprar cualquier ritmo exclusivo.

Canciones versionadas en YouTube.

¿Y qué pasa con las canciones versionadas en YouTube? Bueno, las versiones son aún más complicadas. Mientras que distribuir legalmente una versión en un sitio de streaming de música es sencillo si se obtiene una licencia mecánica, no es tan sencillo en YouTube. Para empezar, YouTube es un sitio de vídeos, por lo que para publicar legalmente tu canción versionada, tienes que conseguir una licencia de sincronización del editor. Buena suerte para conseguirla.

Ahora bien, muchos artistas siguen subiendo versiones a YouTube, por supuesto. YouTube está lleno de versiones. Y casi nadie pasa por el aro de asegurar una licencia. El sistema de identificación de contenidos de YouTube es lo suficientemente inteligente como para identificar la composición original de una canción. Y eso dará lugar a una reclamación sobre tu grabación por parte del editor de la composición. Esto suele impedirte monetizar la canción, pero en la mayoría de los casos, la canción podrá permanecer en YouTube.

Otra cosa que hay que tener en cuenta si tu música entra en alguna de las categorías no elegibles mencionadas anteriormente: Content ID es una plataforma de monetización exclusiva de YouTube. El hecho de que una parte de tu música no sea elegible para Content ID, no significa que no sea elegible para su distribución en plataformas de streaming de música como Apple Music, Spotify, Amazon, etc. Basta con que obtengas la licencia mecánica de una canción versionada para que puedas distribuir tu grabación.

Éxitos!

ÚLTIMAS NOTICIAS! El director general de Live Nation cree que los conciertos a gran escala volverán este verano.

 El director general de Live Nation, Michael Rapino, cree que los conciertos podrán reanudarse a mediados de este verano.

Variety informa que Rapino dijo en una llamada el pasado jueves que cree que los festivales en Estados Unidos "pueden empezar en pleno verano y en el sur de Estados Unidos podemos llegar hasta noviembre". Esto coincide en parte con lo que dijo recientemente el director del Instituto Nacional de Alergias y Enfermedades Infecciosas, el Dr. Anthony Fauci, sobre la vuelta de los conciertos en otoño.

"Parece que cada día hay un nuevo estado o país que habla de cuándo va a abrir, así que nos sentimos más optimistas que hace un mes", dijo Rapino.

"Muchos artistas están llamando, viendo cómo arrancamos en julio, agosto y septiembre. Así que, por ahora, seguimos creyendo que tendremos suficientes plazas abiertas en el Reino Unido, Australia, Canadá y Estados Unidos para mantener lo que tenemos reservado en anfiteatros por ahora. Puede que haya ciertos estados que no estén preparados, pero tenemos suficientes estados y suficientes artistas dispuestos a tocar en los espacios abiertos si llegamos a ese nivel en los mercados adecuados." Y añadió: "Siempre y cuando estos estados se abran a las capacidades adecuadas".

En la actualidad, Estados Unidos cuenta con un 15% de su población con la primera dosis de la vacuna COVID-19, y un 7,1% con la primera dosis.

El director del Instituto Nacional de Alergias y Enfermedades Infecciosas, el Dr. Anthony Fauci, dijo en una entrevista que creía que las vacunas en Estados Unidos podrían proporcionar suficiente inmunidad de rebaño para permitir la reanudación de la música en vivo este otoño.

"Si todo va bien, esto es ocurrirá en algún momento del otoño de 2021", dijo Fauci, "para que cuando lleguemos a principios o mediados de otoño, se pueda tener a la gente sintiéndose segura actuando en el escenario, así como la gente en la audiencia".

En Inglaterra, el Primer Ministro del Reino Unido, Boris Johnson, anunció un plan de cuatro pasos para detallar cómo aliviarán el cierre. El plan incluía una disposición según la cual los clubes nocturnos podrían abrir tan pronto como el 21 de junio para comenzar los "grandes" eventos en vivo.

Los espectáculos al aire libre podrán reanudarse a partir del 17 de mayo con 4.000 personas o el 50% de su capacidad. Los eventos al aire libre con asientos se permitirían hasta 10.000 personas o un 25% de capacidad.

La fase final del levantamiento del bloqueo sería tan pronto como el 21 de junio y no tendría límites legales de reunión y permitiría la apertura de clubes nocturnos.