Resumen del 2021 y predicciones del 2022 para la industria musical.

 Hagamos un repaso del año y aventurémonos en lo que podría ocurrir en 2022. Estamos en un territorio imprevisible por un montón de razones, pero hay tendencias alentadoras en la industria musical.

Debemos prestar mucha atención a las tendencias de la industria musical, así que vamos a compartir un resumen de 2021 y algunas predicciones audaces de 2022 para resumir lo que ha sido un año alentador en muchos sentidos y tratar de arrojar luz sobre lo que podría estar en el horizonte.

Resumen de la industria musical de 2021.

¡Los medios físicos están en racha! Mientras que 2020 fue un año bastante desastroso para las ventas de soportes físicos debido al cierre de los conciertos, las cosas se recuperaron en 2021 y algo más: las ventas de vinilos continuaron su meteórica (e improbable) subida, ¡e incluso las ventas de CDs están por encima del año pasado! Si los conciertos y las giras vuelven en serio en 2022, las ventas de CDs, vinilos y merchandising aumentarán, sobre todo para los artistas independientes que actúan en directo y que dependen de las transacciones en mano.

NFTs: mucho humo... ¿algún fuego? Aunque es probable que haya una oportunidad para que los artistas saquen provecho de las NFTs, son muy difíciles de adquirir -y siguen siendo bastante confusas- y hasta ahora son más una curiosidad que una verdadera oportunidad. Tal vez 2022 proporcione algunas respuestas.

TikTok es una verdadera plataforma musical. 430 canciones superaron los mil millones de visualizaciones en TikTok en 2021. TikTok ofrece un lugar legítimo para que los nuevos artistas se abran paso y está dando una nueva oportunidad a algunos artistas heredados. Hay oportunidades para ti en esta plataforma.

DistroKid está valorada en 1.300 millones de dólares. Esta es una noticia que entra en la categoría de "no lo vi venir". La distribuidora indie DistroKid, que junto con CD Baby y Tunecore forma parte de las tres grandes distribuidoras indie, ha sido valorada por los inversores en 1.300 millones de dólares. Así que, aunque los artistas independientes no van a ganar mucho, algunos inversores sí que van a recibir un buen pago en algún momento.

Los podcasts... ¿son tu competencia? Spotify, por ejemplo, ha invertido millones de dólares en la compra de podcasts y empresas de creación de podcasts y, al menos por ahora, la mayoría de los podcasts no exigen el pago de derechos de autor, por lo que a las plataformas de streaming les puede resultar más barato impulsar el contenido de los podcasts que el de la música. Algo a tener en cuenta.

¿Vuelven los conciertos? En la actual saga de COVID, los conciertos empezaron a reaparecer en 2021, aunque la variante de Omicron ha contribuido al vaivén de la música en directo. Pero las acciones de Live Nation están montadas en un máximo histórico después de haber tocado un mínimo histórico el año anterior. La demanda está ahí, así que esperemos que se mantenga la tendencia de "volver" de aquí en adelante.

La cuota de mercado independiente se sitúa en el 43%, la más alta de la historia. Mark Mulligan, del Music Industry Blog, hizo un recuento de la música indie de una amplia gama de distribuidores independientes, incluidos los que son propiedad de las grandes discográficas (como The Orchard, propiedad de Sony), y determinó que los artistas independientes representaron el 43% de los ingresos de la industria musical en 2021 y que el segmento indie está creciendo más rápido que las grandes discográficas.

¿Qué significa esto para ti?

La mayoría de las veces... nada. Tu demanda como artista independiente la creas tú mismo: tu talento, tu empeño, lo mucho que te esfuerzas en actuar y empujar. Sin duda hay que conocer las tendencias de la industria y la tecnología, porque quieres estar donde están tus fans, pero las tendencias van y vienen. Si estás en este juego a largo plazo, tú eres el que está en el asiento del conductor. Así que sigue machacando, y mañana estarás ligeramente por delante de donde estás hoy.

Atrevidas predicciones de la industria musical para 2022.

Puede que me esté arriesgando con algunas de estas predicciones, pero ¿de qué sirve hacer esto si no se va a lo grande? Marca esta página y veamos si alguna de ellas se cumple en 2022.

La fatiga de la pandemia lleva a una recuperación parcial de la industria de los conciertos. El año 2022 nos sitúa en el tercer año de la pandemia, y con las vacunas de refuerzo que ofrecen una fuerte protección, la industria de los conciertos acelerará el regreso iniciado en 2021. Incluso los aficionados a la música que antes dudaban en volver a los conciertos estarán deseosos de volver a los espectáculos en directo, ya que se cansan de estar sentados en casa los sábados por la noche.

Bandcamp introduce la venta de NFT en su sitio. En 2021, el bombo y platillo de las NFT llegó a ser frenético, pero las NFT siguen siendo ininteligibles para el artista independiente y el aficionado a la música medio, en parte debido a todos los confusos mercados, políticas de precios y opciones de reventa. Bandcamp ve (y aprovecha) la oportunidad de introducir las NFT en la corriente musical simplificando el comercio directo con los fans con sólo añadir el formato NFT a su tienda de comercio electrónico.

Los pagos de derechos por streaming centrados en el artista hacen ruido, pero las estructuras de derechos de la industria no cambian. Las plataformas de streaming marginales, como Tidal y Soundcloud, hicieron algo de ruido en 2021 con sus derechos centrados en el artista, pero los beneficios reales han resultado ser mínimos y los actores principales, como Spotify, Apple Music y Amazon, siguen sin enfrentarse a ninguna presión real sobre las tasas de derechos (además del coro constante de "los derechos son demasiado bajos"). Por lo tanto, la industria no tiene ningún incentivo para cambiar las estructuras de pago de derechos que siguen favoreciendo injustamente al 1% de los artistas.

Los precios de las suscripciones de streaming aumentan un 20%. Con la subida de precios y costes en todas partes, las principales plataformas de streaming respiran hondo y aprovechan la oportunidad para subir los precios en los mercados maduros de Estados Unidos y Europa en un 20%. Y he aquí que los clientes no desertan en masa, gracias a la fidelidad de sus colecciones de artistas, canciones y listas de reproducción en su plataforma de streaming favorita. Los proveedores de servicios de música interpretarán esto como una forma de aumentar los pagos de derechos a los titulares de los mismos (pero... véase más arriba).

Frustrada con el vinilo, la industria se vuelca en el CD como gran formato de soporte físico. La frustración con la cadena de suministro del vinilo finalmente supera el amor por el formato, debido a que los precios del vinilo aumentan en dos dígitos y muchos tiempos de impresión de discos superan los seis meses. La búsqueda de un formato de soporte físico alternativo viable que permita a los artistas impulsar la monetización del fandom se centra en el disco compacto, que cumplirá 40 años en 2022 y está bien preparado para ser el próximo formato musical de retorno.

La reacción de los artistas contra el MLC se dispara. El Mechanical Licensing Collective (MLC) se creó para mejorar la precisión y la transparencia de los informes sobre derechos de autor y para eliminar las cajas negras de derechos que han existido históricamente en la industria musical. En realidad, el MLC se ha convertido en una operación con muchos gastos generales que carece de transparencia y ha acumulado un gran fondo de derechos que no han podido distribuir. A medida que esto se haga más evidente en 2022, la MLC se pondrá a la defensiva por un grupo creciente de artistas vocales y compositores.

Ahí lo tienes: dos años en revisión, y uno ni siquiera ha comenzado. Disfrutad de las vacaciones y de las celebraciones de fin de año, y nosotros estaremos aquí para ayudaros a conquistar el mundo en 2022. Gracias por vuestro apoyo y seguid haciendo música.

Vestirse como es debido: Cómo elegir el atuendo adecuado para el concierto.

 Cuando te subes al escenario, la música es lo primero, pero llevar el atuendo adecuado puede desempeñar un pequeño (o no tan pequeño) papel a la hora de ayudarte a ofrecer la actuación que tu música merece.

En cada actuación musical en directo, el atuendo adecuado puede ayudar a crear un ambiente, establecer la atmósfera y construir una historia en torno a tu música, mejorando tu actuación y entreteniendo a tu público. Llevar la ropa adecuada también puede hacer que te encuentres en el estado de ánimo adecuado para ofrecer un espectáculo inolvidable.

No hace falta que sepas nada de moda, ni que te importe lo más mínimo, para que tu elección de ropa te lleve al éxito musical. Estas son algunas estrategias sencillas que te ayudarán a llevar la ropa adecuada para cualquier concierto.

Entender las expectativas.

Si te contratan para un espectáculo, ya sea como corista de un gran grupo de neo-soul en gira o tocando el bajo en un trío de jazz para una boda elegante, asegúrate de preguntar el código de vestimenta con antelación. El director de la banda, el organizador de la fiesta, el cliente, el director musical o cualquier otra persona debería poder decirte si se espera que te presentes con esmoquin, de manera informal y de color negro, o algo totalmente distinto. E incluso si la respuesta que obtienes es "simplemente ponte guapo", ganarás puntos por haber tenido la profesionalidad de preguntar en primer lugar.

Mantén la funcionalidad.

Cuando piensas en qué ponerte para un concierto, es fácil anteponer la apariencia a la comodidad, así que recuerda que tu principal objetivo en cualquier concierto es hacer buena música. Cualquier prenda que interfiera con ese objetivo es ropa que deberías dejar en casa.

Si eres cantante, en particular, independientemente de lo bien que te parezca, no lleves camisas, pantalones, vestidos o cualquier otra cosa que te impida respirar, a menos que hayas ensayado mucho con esa misma ropa y sepas cómo manejar cualquier restricción física en una situación de actuación de alta presión.

Del mismo modo, independientemente del papel que desempeñes en el concierto, no lleves un calzado que te dificulte mantenerte centrado en el pedal, activar los pedales de la guitarra o pavonearte en el escenario mientras cantas, por muy chulo que parezca el calzado.

Independientemente de los detalles, recuerda que hacer música puede ser una actividad atlética rigurosa, así que asegúrate de que tu ropa te pone en la mejor posición posible para que tu cuerpo haga lo que tiene que hacer.

Piensa en el entorno.

Cuando elijas la ropa que vas a llevar a tu próximo concierto, ten en cuenta el clima físico, natural o artificial, en el que vas a actuar.

¿Vas a tocar en un gran auditorio que se mantendrá frío de antemano, para que no se sobrecaliente cuando entren cientos de personas? Si es así, asegúrate de llevar muchas capas de ropa para que no te congeles durante la prueba de sonido y te sobrecalientes durante tu actuación.

¿Vas a tocar al aire libre en otoño y se prevé un tiempo nublado y ventoso? Asegúrate de vestirte con mucho aislamiento para no estar temblando todo el tiempo. 

¿Tu próxima actuación será en un festival de verano en el desierto, y acabas de descubrir que no tendrás sombra para tu actuación de metal de dos horas? Deja los vaqueros, el vinilo y el cuero en casa y busca algo que te permita estar en la zona de actuación sin que te dé un golpe de calor.

¿Vas a formar parte de un espectáculo escénico muy elaborado? Puede hacer mucho calor bajo la intensa iluminación del escenario, así que tenlo en cuenta a la hora de tomar decisiones.

Cuando decidas qué ropa llevar, protege tus activos más valiosos para el concierto. Por ejemplo, si eres teclista o bajista y tocas al aire libre en un clima poco cálido, asegúrate de que los brazos y la parte superior del cuerpo estén bien abrigados, y considera la posibilidad de experimentar con guantes que cubran la mayor parte de la mano, pero que dejen los dedos al descubierto. Del mismo modo, para los cantantes con tiempo frío, un gorro y una bufanda cálidos pueden salvarles la vida.

Independientemente de la ropa o de los preparativos, lo último que se quiere es salir al escenario con frío (física o metafóricamente) o sobrecalentado y deshidratado, por lo que hay que elegir bien la ropa y prepararse para el éxito.

No te olvides de grabar.

El hecho de que no tengas un público lleno de gente en el estudio no significa que debas ignorar la ropa a la hora de grabar. Al fin y al cabo, una sesión de grabación no deja de ser una actuación, y elegir bien tu vestuario puede ayudarte a ofrecer una actuación de la que te sientas orgulloso.

Al igual que en una actuación en directo, asegúrate de llevar ropa que no te restrinja el movimiento o la respiración, y que sea apropiada para la temperatura, y evita ponerte cualquier cosa que pueda distraerte de tu trabajo musical.

Más allá de eso, piensa en lo que te pondrá en el mejor espacio emocional para ofrecer una gran actuación. ¿El principal objetivo es sentirte totalmente relajado cuando cantas, para que la actuación resulte cálida e íntima? Tal vez tu pijama favorito te haga sentir así, o una sudadera con capucha que tienes desde hace años y que siempre te pones los domingos. Por otro lado, ¿quieres que tu actuación parezca elevada, enérgica y elegante, como si estuvieras en el escenario del Carnegie Hall? Si es así, tal vez un traje de tres piezas o un vestido de baile de lentejuelas te ayuden a conseguir el espacio mental que necesitas.

Ten en cuenta que nunca tienes que vestirte de una manera determinada cuando grabas, además de que no hay miembros del público a los que entretener, así que tus elecciones de ropa tienen que ver puramente con lo que te hará sentir más inspirado. Ya sea con corbata blanca o súper informal, con ropa de flores teñida o con ropa de calle, asegúrate de que lo que lleves te ayude a entrar en la zona que necesitas para hacer la música que quieres hacer.

Éxitos!

Volver a actuar en directo tras la cuarentena.

La pandemia congeló la carrera de muchos artistas independientes. Si estás listo para volver a tocar para el público en persona, la preparación adecuada puede llevarte al éxito.

Si has tenido que cancelar fechas de giras, residencias, jam sessions o conciertos en casa debido a la COVID-19, no eres el único. Innumerables artistas congelaron sus carreras de actuación en directo cuando comenzó la pandemia. Y aunque la crisis sigue evolucionando en todo el mundo, muchos músicos están trabajando duro para volver a compartir su música, en vivo y en directo.

Volver a los escenarios tras más de un año de parón forzoso no es tarea fácil. Aquí tienes algunos consejos que te ayudarán a volver a actuar en directo y a crear espectáculos seguros, divertidos y potentes que te hagan sentir orgulloso.

Se sincero con tu evaluación de riesgos:

Una de las cosas que ha hecho que la pandemia sea tan difícil es que el riesgo y la seguridad pueden significar cosas muy diferentes para cada persona.

Un artista independiente puede estar inmunodeprimido, vivir con parientes ancianos o niños pequeños y actuar regularmente en una zona donde las vacunas son bajas y las tasas de infección son altas. Otro artista independiente puede estar completamente sano, totalmente vacunado y vivir en una zona donde las vacunas están por las nubes y el número de casos es insignificante.

Lo más probable es que estos dos artistas planeen conciertos muy diferentes cuando vuelvan a actuar en directo.

Al planificar cómo volver a actuar ante el público, ten en cuenta tu situación personal, la cantidad de riesgo que estás dispuesto a asumir y qué tipo de situaciones (si las hay) no te parecen seguras. Cuanto más claro tengas todo esto, mejor posicionado estarás para planificar una actuación que te haga sentir cómodo y que muestre tu música de la mejor manera posible.

Planifica tu concierto pensando en tu comodidad:

De acuerdo con lo anterior, independientemente del grado de precaución que consideres adecuado, incorpora esas normas al espectáculo que planees. Si sólo te sientes bien tocando al aire libre con el público a una distancia mínima de tres metros de ti, busca un lugar con espacio abierto que se adapte a ese tipo de configuración. Si te parece bien tocar en interiores pero quieres que todos los miembros del público estén vacunados y/o enmascarados, ten esos criterios por adelantado cuando empieces a discutir con los locales. Sean cuales sean tus ideas sobre la seguridad ante una pandemia, tenlas en cuenta y planifica el espectáculo en consecuencia.

Sea cual sea el nivel de seguridad que acuerdes con el local, asegúrate de comunicar las expectativas a los fans con mucha antelación. Si los miembros del público tendrán que acudir con máscaras y certificados de vacunación, hágaselo saber. Del mismo modo, si el espectáculo va a estar lleno hasta los topes, sin protocolos de enmascaramiento o vacunación, es importante que los posibles miembros del público también lo sepan. Una información clara y completa sobre la seguridad ayudará a los aficionados a tomar las decisiones correctas para su propia diversión y salud.

Empieza despacio y aumenta la velocidad:

Ponerse delante de una multitud y tocar música puede ser un gran estímulo, y si has pasado gran parte de tu tiempo alejado de las grandes multitudes durante la pandemia, subirte de repente al escenario podría resultar intimidante. Si crees que lo necesitas, haz lo que puedas para volver a familiarizarte con la actuación mientras trabajas para tu espectáculo. Empezar en un entorno de bajo perfil puede ayudar. Tanto si tocas algunas canciones para amigos y familiares de confianza como si te instalas en un parque para tocar para los transeúntes, el tiempo que pases actuando en directo, aunque sea para pocas personas, te ayudará cuando te encuentres en entornos más amplios.

Del mismo modo, tómate el tiempo necesario para mejorar tu régimen de práctica, de modo que estés en buena forma física cuando llegue el momento de actuar. Pasar de no actuar durante más de un año a volver a hacerlo de repente puede hacer que te lesiones si no eres consciente de tus límites, así que ve a tu ritmo mientras reconstruyes las habilidades que hayas podido perder temporalmente durante el bloqueo.

Vuelve a conocer a tus compañeros de banda:

Si hace más de un año que no das un concierto, intenta hacer unos cuantos ensayos sólidos antes del gran día para poder reconectar con tus compañeros de banda. Tanto tú como tus colaboradores habéis evolucionado (o quizás involucionado), personal y musicalmente, desde la última vez que tocasteis juntos en concierto. Date el espacio necesario para reaclimatarte a las vibraciones y estilos de los demás y para redescubrir cómo encajar juntos en un entorno de directo.

Comprueba la calidad de tu equipo:

Puede que tu equipo funcionara perfectamente en tu último concierto antes de la pandemia, pero un año y medio es mucho tiempo. Especialmente si un equipo no se ha utilizado ni siquiera durante una parte de ese paréntesis, comprueba que todos los cables, conexiones, mandos, botones, enchufes y fuentes de alimentación funcionan correctamente. No querrás encontrarte con fallos de funcionamiento y dificultades técnicas una vez que subas al escenario.

Confía en tu instinto y sé paciente contigo mismo:

Al igual que las experiencias de la gente con la pandemia pueden variar enormemente, también lo hacen los viajes de los artistas independientes de vuelta al escenario. Algunos músicos pueden sentir pura euforia al volver a actuar en directo, mientras que otros pueden sentirse algo aterrorizados. Algunos pueden volver a la rutina inmediatamente, mientras que otros pueden tardar semanas, meses o más tiempo en volver a la música. Date el espacio y el tiempo que necesites para sentirte cómodo. Mientras estés dando pasos hacia la actuación de forma segura y positiva, sigue adelante.

Éxitos!

El lanzamiento De Un Álbum En La Era Del Streaming.

 El lanzamiento De Un Álbum 

En La Era Del Streaming.

Quiero contarles la historia de un álbum que llegó al número uno de la lista de álbumes de Billboard un año después de su publicación. Lo leí hace poco y pensé que era interesante. Y refuerza algo que he estado mencionando repetidamente durante el último año o dos: que los ciclos de lanzamiento de los álbumes han cambiado drásticamente en la era del streaming. 

Hoy en día, también se trata de acumular streams. Eso significa que, aunque la promoción en torno a la fecha de lanzamiento sigue siendo esencial para dar un impulso al álbum, en realidad puede llevar mucho más tiempo para que el álbum cobre fuerza.

Entra en las listas de éxitos en streaming.

Una de las razones es que hoy en día se contabilizan todas las reproducciones, a diferencia de la compra de un disco. Si compro un disco y lo escucho dos veces, cuenta como una venta para la buena gente de Billboard que hace el seguimiento de estas cosas. Si lo escucho 200 veces, sólo cuenta como una venta. Pero si escucho un álbum 200 veces en streaming, la diferencia es enorme para los que hacen el recuento de las listas. Pero se necesita tiempo para escuchar un álbum 200 veces, o 50 veces. Así que muchos álbumes tardan más en empezar a figurar en las listas.

Otra razón por la que se puede tardar más tiempo en llegar a las listas de éxitos es que las actividades promocionales o las colocaciones en listas de reproducción que se producen después del lanzamiento pueden tener un gran impacto. Hubo un cliente de CD Baby llamado Perrin Lamb que, más de un año después del lanzamiento de su álbum, consiguió colocar una canción en una enorme lista de reproducción de Spotify y acabó consiguiendo más de 10 millones de streams en Spotify, lo que le hizo ganar unos 60.000 dólares en derechos de autor sólo por esa canción. De nuevo, eso fue un año después de su lanzamiento.

Hay un rapero australiano llamado Kid Laroi. Lanzó su último álbum hace más de un año. Lo llamó lista de reproducción, pero en realidad era un álbum. Y lo que hizo de forma diferente fue añadir canciones a la lista de reproducción a lo largo del tiempo y reeditar su lista de reproducción -es decir, su álbum- con más canciones.

Cada vez que lo hacía, todos los streamings de los nuevos temas se sumaban al recuento ya existente del álbum, por lo que las cifras no dejaban de crecer y crecer hasta que, un año después del lanzamiento, lo situó en el número uno de la lista de álbumes de Billboard.

La promoción musical es un juego a largo plazo.

Entonces, ¿cuál es mi punto? ¿Debes seguir añadiendo temas a tu álbum? ¿Deberías lanzarte a las grandes listas de reproducción? Claro, puede que quieras intentarlo. No está de más experimentar con ese tipo de cosas.

Pero lo que realmente quiero decir es que no pienses que la promoción es algo que sólo se hace en el momento del lanzamiento del álbum. Es el momento más importante para la promoción, pero no hay que desesperarse si el álbum no tiene muchas reproducciones 90 días después del lanzamiento. En los tiempos que corren, hay que seguir trabajando en el álbum y en los temas que lo componen a largo plazo.

Tu éxito en la era del streaming no se contabiliza con ventas únicas y por adelantado como en los días del producto exclusivamente físico. Ahora se trata de un flujo por flujo, y se necesita tiempo para generar esos flujos. Y los derechos de autor también se van acumulando con el tiempo, así que hay que seguir trabajando en ese álbum al menos hasta que esté listo el siguiente.

Una vida útil infinita.

Una vez más, una de las diferencias entre la era del streaming y la era física es que si tu álbum dejaba de venderse durante la era física, los minoristas lo retiraban de las estanterías, porque el espacio en ellas era limitado, y ponían un nuevo álbum. Con el streaming, tu álbum está siempre disponible, así que hay muchas más oportunidades a lo largo del tiempo para seguir promocionando y quizás caiga un rayo.

La buena noticia es que, en el mundo actual del streaming, no importa realmente cuándo hayas lanzado tu música. Sí, es mejor en el momento en que se lanza tu álbum, pero si eso no funciona, puedes empezar a promocionarlo cuando quieras. Tienes una oportunidad abierta para conseguir más streamings, más ventas y más derechos de autor.

Así que no pierdas la esperanza si las ventas de tu álbum aún no están a la altura de las expectativas. Con un poco de creatividad, marketing y promoción, tienes la posibilidad de que algo suceda en el futuro.

Éxitos!

¿Se puede confiar en alguien del mundo de la música?

 Seamos realistas, la mayoría de los artistas emergentes son inexpertos en los caminos del negocio de la música y no siempre pueden identificar a un estafador de un recurso legítimo. Aquí tienes 11 cosas que puedes hacer para evitar que te estafen.

Es un hecho bien conocido que en el negocio de la música hay más picapleitos, sinvergüenzas y estafadores que en la mayoría de los demás sectores. Al fin y al cabo, hay muchas maneras fáciles de que un estafador pueda timar a un artista musical. Se aprovechan de los artistas que sueñan con la fama y se dejan seducir por un "experto" que les habla con grandes promesas.

No hay una fórmula única para el éxito en la música. Y por eso no hay reglas claramente establecidas sobre cómo conseguir un éxito, por ejemplo, lo que hace que los artistas sean susceptibles de esquemas y estafas que prometen un camino rápido hacia la fama.

Y, sin duda, la parte de los números en el negocio de la música puede ser complicada y hay una importante falta de transparencia. Es una de las principales razones por las que las grandes discográficas han sido acusadas de abusar de los artistas desde que existen. No declaran los derechos de autor, se pagan a sí mismos primero y al artista después... Esta complejidad y la falta de transparencia de los números no es más que otra oportunidad para que se aprovechen de los artistas independientes.

Estoy seguro de que hay muchas otras formas de que los artistas se aprovechen de promotores, abogados, managers, directores de programas, DJs, asesores financieros y otros expertos de la industria musical. No hay más que ver la reciente y sonada demanda y contrademanda de 3 millones de dólares entre Chance the Rapper y su mánager. Se les consideraba la personificación de una asociación exitosa entre artista y mánager hasta que empezaron a llover las demandas.

11 cosas que puedes hacer para evitar ser estafado:

¿Cómo se puede trazar el camino en el negocio de la música sin que te estafen? ¿Puedes confiar en alguien del sector musical o estás condenado a hacerlo todo por tu cuenta? Por supuesto, la respuesta es sí, hay gente en la industria en la que puedes confiar; y no, no estás condenado a hacerlo todo tú solo para siempre. A medida que tu carrera avance, tendrás que formar un equipo.

Sin embargo, en el negocio de la música, como en la vida, no puedes confiar automáticamente en la gente. Ese viejo tópico de que "la confianza hay que ganársela" es absolutamente aplicable. Aquí tienes 11 consejos que te ayudarán a asegurarte de que no te timen de forma importante a medida que avanza tu carrera musical.

1. Haz todo lo que puedas por ti mismo durante todo el tiempo que puedas.

Así es, haz todo lo que puedas por ti mismo cuando estés empezando y, de paso, aprende todo lo que puedas sobre el negocio de la música leyendo y haciendo muchas preguntas a la gente que conozcas. No, no tendrás que hacerlo todo para siempre, pero cuanto más hagas ahora y más aprendas y entiendas, menos probable será que te timen cuando empieces a contratar a otros para que hagan ese trabajo por ti.

2. Sé escéptico.

Siempre que conozcas a un experto del sector y estés en conversaciones sobre cómo podría ayudarte, ve con la suposición de que "esta persona puede estar buscando estafarme". Esto te hará sensible a las afirmaciones que suenan demasiado bien para ser verdad.

3. Si suena demasiado bien para ser verdad, es que lo es.

Desconfía de las ofertas que suenan demasiado bien para ser verdad. El éxito en este negocio es difícil y si alguien te promete una solución rápida y segura, probablemente esté tratando de tomarte el pelo.

4. Desconfía de la gente que se te acerca con ofertas de ayuda.

Como artista independiente, eres un blanco fácil para los estafadores. Pregúntate: "¿Por qué esta persona se dirige a mí antes de que haya tenido un éxito sustancial en la industria?".

5. Pide propuestas detalladas.

Pide siempre una propuesta por escrito y haz que te expliquen con detalle lo que van a hacer por ti; qué hitos habrá en el camino; cuánto, cómo y cuándo te cobrarán; cómo medirás el éxito; y qué pasa si no estás contento con los resultados.

6. Haz muchas preguntas.

No existen las preguntas tontas, y tu quieres conocer la parte del negocio de tus posibles socios y cómo funciona. No aprenderás nada si tienes miedo de hacer preguntas. Si se molestan por tus preguntas, probablemente no sean de fiar. Cualquier persona o empresa legítima estará encantada de responder a todas las preguntas, mientras que los estafadores suelen buscar una puntuación rápida en un objetivo fácil.

7. Pida -y comprueba- las referencias.

Las mejores referencias proceden de personas conocidas. ¿Ha ayudado esta persona a algún artista que conozcas personalmente? Si no es así, ¿puedes hablar con otros artistas a los que haya ayudado? Los recursos legítimos de la industria con un historial sólido siempre estarán encantados de proporcionar referencias. Si no puedes conseguir una referencia, probablemente no quieras trabajar con esa persona.

8. Que el dinero fluya hacia ti primero.

Este negocio es, en última instancia, una cuestión de dinero. En la medida de lo posible, quieres ser tu quien reciba los derechos de autor y los pagos para poder pagar a tus socios, y no al revés. Al fin y al cabo, si un agente tuyo controla mucho de tu dinero, habrá más tentación, si es corrupto, de que parte de ese dinero desaparezca antes de que sepas que lo ha conseguido.

9. Comprueba los números cuidadosamente.

Examina con mucho cuidado las declaraciones de derechos, las solicitudes de reembolso de gastos y otros informes financieros y facturas. Si no reconoces el nombre de un proveedor, cuestionalo. Si las cifras no cuadran o no tienen sentido, cuestionalas. Si no estás familiarizado con los números, no sabrás cuándo te están estafando.

10. Haz que un abogado revise tus acuerdos y contratos.

La mayoría de las empresas, proveedores y agentes ponen cláusulas en sus contratos que son unilaterales y favorables a ellos. Si decides ser tu propio abogado para ahorrarte unos cientos de dólares, es posible que no reconozcas qué cláusulas están preparadas para ir en tu contra a largo plazo.

11. Imagina el peor escenario posible.

Pregúntate: "¿cuál es el peor escenario en el que me puedo quemar?". Suelo hacer esto cuando tomo decisiones comerciales para Digital Media. Me pregunto: "¿qué es lo peor que puede pasar?". Tú puedes hacer lo mismo. Eso te obliga a considerar todos los escenarios en los que las cosas van mal y cómo puedes protegerte.

Entonces, ¿qué significa todo esto? En el negocio de la música, no se puede ser crédulo. A veces, eres tu único defensor. Y aunque en algún momento necesitarás o querrás trabajar con otros para ayudar a que tu carrera crezca, tener una actitud escéptica o, como a mí me gusta llamarla, constructivamente paranoica, en tus tratos y negociaciones comerciales te ayudará a evitar que te tomen el pelo.

Mira vídeos estupendos en el canal de YouTube de Digital Media.

Éxitos.

Ganar dinero con la música: ¿No fans? No hay problema.

 Ganar dinero con la música: 

¿No fans? No hay problema.

Una forma de ganar dinero con la música es centrarse en los clientes comerciales. Echa un vistazo a estas fuentes de ingresos que no requieren ninguna audiencia o fans.

Crear una base de fans para tu música original requiere tiempo y trabajo. En primer lugar, tienes que encontrar un grupo de personas a las que les guste lo que haces y convertirlas en fans. Esto incluye conseguir que te sigan en los servicios de streaming, en las redes sociales y que acudan a tus espectáculos en directo, ya sea online o en un local. A continuación, tienes que convertir a tus fans en clientes; idealmente, fans que te paguen regularmente. Pero, ¿y si no quieres crear una base de fans? ¿Puedes ganar dinero sin seguidores y centrarte sólo en hacer música? Puedes hacerlo, aprovechando las docenas de fuentes de ingresos que no requieren fans.

Base de fans vs. clientes empresariales

En lugar de dedicarte a desarrollar tu propio público, fans y seguidores, otro enfoque es centrarte en desarrollar un buen conjunto de contactos comerciales. Siguiendo esta vía, puedes ganarte la vida complaciendo a un puñado de clientes que te pagan por tu música.

Los clientes empresariales tienen necesidades musicales específicas y, en la medida en que puedas satisfacerlas, estarán dispuestos a pagar por tus servicios. Algunos necesitan música para sus trabajos audiovisuales, como películas, televisión, trailers de películas, videojuegos y publicidad. A continuación se indican algunas de las fuentes de ingresos que puedes aprovechar cuando tratas con clientes comerciales:

1. Licencias.

Hay algunos detalles complicados y muchas fuentes de ingresos disponibles. La conclusión es que la gente tiene que pagarte si quiere usar tu música en sus vídeos, películas, programas o videojuegos. Puedes cobrar lo que quieras por la licencia. Por eso, algunos músicos se ganan la vida simplemente concediendo licencias de su música grabada a estos clientes comerciales.

Si quieres dedicarte a las licencias, conoce a los supervisores musicales. Son las personas que eligen y licencian la música para sus proyectos. Puedes conocerlos personalmente y convertirlos en clientes comerciales sabiendo lo que quieren y estableciendo una red de contactos. Pero si no quieres salir de tu estudio y reunirte con la gente, siempre puedes colocar tu música en las bibliotecas musicales que sirven a estos clientes empresariales. El enfoque de "rociar y rociar", de poco esfuerzo, para generar acuerdos de licencia es utilizar bibliotecas no comisariadas como SongTradr o SynchTank. Se trata de recursos que muchos supervisores musicales, directores de cine y otros creativos consultan para encontrar la música adecuada para sus proyectos.

Puedes apuntar un poco más alto si te esfuerzas por llegar a las bibliotecas curadas para ver si aceptan tu música. Algunos ejemplos son APM, Jinglepunks, Audiosparx, AudioSocket, GettyImages Music y MusicSupervisor, y hay muchos más. Algunas se especializan en usos concretos, como Songlily, que se centra en la concesión de licencias de música para juegos y aplicaciones, y Motionarray, que se centra en el vídeo. Las bibliotecas seleccionadas pueden incluir tu música "tal cual" o pueden pedirte que escribas música en géneros y estilos específicos (o tú puedes sugerírselo). En ese caso, tendrás que llegar a un acuerdo con ellos por tus servicios, la mayoría de los cuales son trabajos por encargo: te pagarán por adelantado por tus servicios, pero luego serán dueños de los derechos de autor para poder licenciar la música ellos mismos.

Otro ejemplo es TAXI, que agrupa los anuncios de búsqueda de las empresas de comunicación. Cobran una cuota de inscripción y por envío, pero si tu música es elegida por el potencial licenciante, TAXI se pone en contacto contigo para llegar a un acuerdo de licencia.

2. Derechos de autor.

Naturalmente, Spotify, Apple Music y otros servicios de streaming pagan derechos de autor cuando los fans escuchan tu música, pero como estamos hablando de flujos de ingresos no relacionados con los fans, ten en cuenta que los derechos de autor se pagan independientemente de cómo se utilice tu música. Por ejemplo, una vez que obtengas la licencia de tu música en una película, un programa de televisión, un tráiler de película o un anuncio publicitario, esto te generará derechos de autor. Por eso, para asegurarte de que recibes estos cheques, deberás registrar tu música. 

Asegúrate de estar inscrito en las PRO de composición (como ASCAP, BMI o SESAC), en SoundExchange y en el MLC. Además, asegúrate de pedir derechos de autor en el extranjero para poder cobrar el dinero generado fuera de tu país.

Si quieres un "botón fácil" para ayudarte, echa un vistazo a los administradores de publicaciones como CD Baby Publishing, que pueden ayudarte a recaudar muchos de tus registros por una parte de lo que ellos recaudan. Ten en cuenta que ningún administrador de publicaciones recauda todos los derechos que se te deben, así que tendrás que hacer algo de trabajo si quieres recaudar todo lo que se te debe.

3. Ingresos de estudio y producción.

Puedes licenciar y vender algo más que tu música terminada. Si grabas en casa en una DAW, generas todo tipo de archivos de música como stems, beats, samples (originales) y efectos de sonido que se pueden licenciar para su uso sincronizado en cine, televisión, trailers de películas, publicidad y mucho más. Además, puedes crear sonidos de sintetizador, presets únicos y otros archivos de diseño de sonido que los músicos quieran licenciar y utilizar en sus trabajos. Existen mercados como Splice, Beatport.com, Beatstars.com y Airbit.com, y si te pones en contacto con ellos y no aceptan usar tus archivos, puedes venderlos tú mismo en sitios de descarga como Shopify y SquareSpace.

4. Ingresos por música en directo.

No es necesario tener una base de fans para tu espectáculo en directo si agendas bodas, fiestas y eventos corporativos. Siempre puedes cultivar un buen conjunto de clientes mediante el marketing tradicional o utilizar sitios como SonicBids y Gigmasters. También puedes centrarte únicamente en el circuito de giras universitarias. Además, si eres un artista, puedes actuar como músico de concierto o incluso unirte como músico de acompañamiento a una banda de gira que haya hecho el duro trabajo de generar una base de fans.

Aprovechar estas corrientes.

Para aprovechar estas corrientes, mucho depende de aprender a desarrollar relaciones con los clientes comerciales. Es posible que tengas que desarrollar un conjunto de habilidades diferentes a las de conseguir fans para tu música, pero puede ser más sencillo porque hay menos gente a la que llegar y todo lo que tienes que hacer es convencer a unos cuantos para que hagan negocios regulares contigo. Esto depende de tus habilidades para establecer contactos y de tu capacidad para cultivar relaciones comerciales.

Estas fuentes de ingresos siguen estando a tu disposición aunque quieras crear una base de fans, pero estas opciones te dan la oportunidad de generar ingresos constantes a partir de clientes privados antes de pasar por el gasto y el esfuerzo de crear una base de fans. Por supuesto, cultivar las relaciones comerciales con supervisores musicales, clientes corporativos, compradores de música y producción musical, servicios de comisariado y bookers también lleva tiempo, pero puede generar ingresos fiables a corto y largo plazo.

Éxitos!

7 Técnicas para producir un live streaming convincente.

 Crear transmisiones en vivo atractivas va más allá de poner una cámara y actuar como lo haces en el escenario. Utiliza estas técnicas para crear una mejor actuación, conseguir más espectadores y ganar más dinero con tu espectáculo en directo.

Las Sesiones en Vivo o “Live Sessions” son el formato de presentación por excelencia en tiempos de Pandemia, sin embargo, también son la mejor carta de presentación de tu Banda o Proyecto Musical ya que en una sesión en vivo puedes mostrar al público lo que tu proyecto musical es capaz de transmitir en realidad. Ahora mismo están en auge las presentaciones y festivales en directo de diferentes géneros musicales donde tu banda o proyecto se dan a conocer a través de redes sociales y plataformas digitales, con videos del performance capturado en directo.

Los músicos han pasado de tocar en directo en el escenario a hacerlo en línea a través de plataformas de streaming, pero crear un espectáculo sólido en línea no es tan sencillo como apuntar una cámara y tocar música. Hay muchas técnicas que puedes integrar en el proceso del espectáculo en directo y que te ayudarán a crear mejores actuaciones, conseguir que te vean más fans y ganar más dinero en el proceso.

Utiliza estas siete técnicas para crear un espectáculo en directo atractivo y convincente.

1. Construye gradualmente tu set up de producción.

Al principio, empieza de forma sencilla utilizando sólo una cámara, como la de tu portátil o teléfono. Luego, con el tiempo, puedes ir mejorando la configuración paso a paso, mejorando la iluminación, el audio y creando un set que se vea bien en la cámara, que tenga enlaces a tus redes y haga que tu merchandising sea visible. También puedes empezar a utilizar herramientas como el Open Broadcaster Software (OBS), que te permite crear superposiciones, añadir efectos y utilizar varias cámaras. Cada vez que realices un cambio, pruébalo primero en una grabación para ver cómo queda. Aunque todas estas cosas requieren algo de esfuerzo y tiempo, pueden hacer que destaques en comparación con otras actuaciones en línea y que sea más probable que tu público disfrute de la actuación y te siga visitando.

2. Modifica tu performance.

Tu objetivo es crear una actuación online entretenida que tus fans disfruten viendo. No es necesariamente el mismo espectáculo que tu actuación en directo. Como cada canción es diferente, no deberían parecer iguales a tu público. De hecho, tu objetivo debe ser hacerlas tan distintas visualmente que se sepa qué canción se está interpretando incluso si se reproduce la canción con el sonido silenciado. Para ello, utiliza las distintas partes de tu zona de "escenario" y la pantalla.

Aunque toques en el salón de tu casa o en el sótano, imagina que estás actuando ante un público en directo, no en una habitación vacía con una cámara. Algunos artistas incluso ponen una foto de un público delante de ellos para poder visualizarlo mejor. Además, la mayoría de las actuaciones en línea son muy personales y tienen un poco más de chanza entre las canciones para responder a la gente que está hablando en el chat o haciendo preguntas. Como no hay público en la sala, es la mejor manera de crear la sensación de que los espectadores están viviendo una experiencia compartida con muchas otras personas.

3. Crea un tema especial para el show.

Cuando tocas en directo, tienes la ventaja de conseguir un público gracias a la atracción natural del local de música en vivo, así como de otros artistas que comparten el cartel. En cambio, cuando se toca en línea, hay que atraer puntualmente a los espectadores y se compite con muchas otras opciones. Para atraer a los espectadores, además de utilizar todas las técnicas de promoción habituales y de promocionar el evento dentro de la plataforma de streaming que utilices, haz que el evento sea especial de alguna manera. Para ello, métete en la cabeza de tu público y piensa en lo que le gustaría. Por ejemplo, un espectáculo de "Meditación y música", "Fin de semana de relax" u "Hora feliz" podría ser el tema perfecto para una noche de entretenimiento. Más allá de estos eventos temáticos, también puedes utilizar portadas para atraer al público. Por ejemplo, el artista George Hrab lanzó recientemente una serie de espectáculos de versiones basados en hacer "13 canciones" por actuación e hizo una noche de Police y Sting que anunció con antelación. Utiliza todas las técnicas de promoción probadas para que tu evento se comparta en línea y tenga posibilidades de aparecer en las búsquedas de la web.

 

4. Elige las plataformas adecuadas.

Cuando haces una transmisión en vivo, tienes la oportunidad de elegir la plataforma. Hay muchas opciones, como Twitch, YouTube Live, Periscope, Facebook Live, Mixer y YouNow. Aunque puedes optar por una sola, también puedes hacer una transmisión simultánea a varias plataformas para poder captar una mayor audiencia utilizando herramientas como Restream.io. Ten en cuenta que algunas plataformas no funcionan bien con otras; por ejemplo, Facebook no te permite hacer multidifusión hacia ella si estás reproduciendo el flujo en cualquier otro lugar. Si eliges una sola plataforma, selecciona la que mejor puedas monetizar o la que tenga las características con las que te sientas más cómodo.

5. Toca con regularidad.

Aunque no hay nada de malo en hacer un espectáculo puntual, para crear una audiencia hay que actuar con regularidad. Internet premia la constancia y los fans se acostumbrarán a verte cuando tengas una actuación programada, aunque debes producir espectáculos con variedad para que vuelvan.

6. Monetiza tu plataforma.

Añade enlaces en la transmisión y el chat para promocionar tu sitio web, tu mercancía, tus botes de propinas, tu cuenta de Patreon y otras fuentes de ingresos. También puedes integrar tus fuentes de ingresos en tu programa, lo que significa hablar de tu mercancía (y posiblemente usarla), promover tu patrocinio y hacer crecer tu base de suscriptores. Además de hablar con tu público sobre ello, también puedes utilizar las distintas superficies que están a la vista de la cámara para mostrar carteles promocionales con enlaces o añadir una superposición digital utilizando herramientas de software de vídeo como OBS.

7. Asegúrate de que todos tus shows tengan buenos hashtags.

Asegúrate de añadir hashtags en las descripciones de tus programas. Esto puede atraer a los espectadores, ya que tu transmisión aparecerá en las búsquedas dentro de la plataforma y también en las páginas dedicadas a ese hashtag. Siempre puedes utilizar los hashtags #music y #livemusic. Además, añade hashtags relacionados con el tipo de espectáculo que vayas a realizar, como la temática del mismo, como #meditación o #boozymusic. También puedes utilizar los hashtags de tendencia, eventos actuales y noticias recientes. Y si haces un espectáculo de versiones, utiliza los hashtags de los grupos que versionas para que los fans de esos grupos te encuentren.

Asegúrate de tomar esta lista de sugerencias de una en una para no abrumarte. Puedes empezar por grabarte y ver cómo queda antes de ponerte delante de la cámara. Sigue ajustando las cosas hasta que te sientas cómodo. Una vez que tengas listo el show, el siguiente paso es promocionarlo. Al emplear estos consejos, crearás una mejor actuación, conseguirás más espectadores y ganarás más dinero con tu streaming.

Cómo sobrevivir como músico en el siglo XXI: 5 importantes tips.

Consejos del mundo real sobre cómo cultivar las relaciones, la comercialización y el producto físico, y ser creativo con la forma de sobrevivir como músico en el siglo XXI.

Nunca ha sido fácil depender de las artes para ganarse la vida. Ya seas músico, pintor, poeta, dramaturgo o cineasta, el camino hacia el éxito suele estar marcado por los escombros de los fracasos del pasado. Aunque Internet ha creado oportunidades para relacionarse directamente con tu base de fans y distribuir música, también ha creado un entorno ferozmente competitivo y abarrotado en el que hacerse notar y conseguir que te paguen por tus esfuerzos puede consumir todo tu tiempo y energía.

A pesar de ello, los músicos se han mostrado resistentes e ingeniosos, adoptando nuevas formas de distribución y creación musical, descubriendo nuevas formas de aumentar la audiencia y encontrando nuevas vías para monetizar sus esfuerzos creativos. Mantener un cierto equilibrio entre los aspectos creativos, promocionales y comerciales de la industria musical traza un camino que puede mantenerte solvente y creativamente satisfecho.

1.- Centrarse en los oyentes.

Un buen consejo que podrías dar a tu yo mas joven si pudieras retroceder en el tiempo y comunicar lo que has aprendido sobre cómo ser un músico de éxito en el siglo XXI, sería que te centraras en los oyentes más que en las ventas. Haz la mejor música que puedas y llévala a los oídos de la gente a la que le gusta el tipo de cosas que estás creando. Con 10x, 100x, 1.000x oyentes, todo lo demás es posible.

2.- Mirar siempre hacia adelante.

A mediados de los 90, en los albores de la era digital, pero antes de que las redes sociales se impusieran, otro sabio consejo habría sido no firmar ningún contrato con organizaciones que prometieran distribución. El valor que ofrecía el contrato discográfico tradicional estaba a punto de disminuir precipitadamente. Las restricciones del 'contrato estándar' se convirtieron en un obstáculo para un artista preparado para la transición a la era de la música digital.

En aquel momento, Napster estaba abriendo paso a un modelo que acabaría arrasando en el mundo de la música, ya que ofrecía a los músicos la posibilidad de conectar con una comunidad masiva de oyentes que buscaban activamente bandas desconocidas. De repente, las posibilidades de descubrimiento para los músicos se dispararon. Era el intercambio de cintas de mezclas multiplicado por infinito. Al principio parecía una amenaza porque todos temían perder el control de toda mecánica. Pero ese control había desaparecido en el momento en que se copiaron los primeros mp3. Sube al carro y consigue nuevos oyentes. Esto era la nueva radio indie.

.- 3 Has las cuentas antes de ir de gira.

La mayoría de los músicos en activo han renunciado al modelo anterior a la era digital de conseguir un contrato discográfico y embarcarse en una glamurosa gira mundial. Y, cuando se mira detrás del telón, las giras no son tan bonitas en el mundo real. Un artículo publicado en The Guardian describe la realidad de las giras: un pastiche de horas interminables en furgonetas y habitaciones de hotel. El artículo cita al productor Mat Zo (Matan Zohar), nominado a los Grammy, sobre las pruebas de las giras: "Es fácil dejar que tu mente y tu cuerpo se hundan, incluso para una persona con un estado emocional saludable. Para los que tienen ansiedad, las habitaciones de hotel son como celdas de prisión".

4 .- Cultivar la fidelidad de los fans.

En el tumultuoso mundo musical actual, la importancia de establecer y mantener una base de fans activa y leal es vital. "Los verdaderos fans seguirán pagando para apoyarte porque te quieren, pero siempre pueden conseguir la música gratis. Hay que encontrar formas de conseguir que los fans compren tus proyectos, ya sea mediante un club de fans con ventajas u otros métodos de monetización de la fidelidad (merchandising).

Hay que tomarse muy en serio la lista de correos y empezar a llegar a la gente por esa vía. Lo importante para un artista musical se ha convertido rápidamente en la capacidad de comunicarse directamente con sus oyentes".

5.- Ganar dinero: los detalles.

La venta de productos sigue siendo una forma fiable de aumentar los ingresos. La gente compra camisetas, gorras, parches, afiches, etc, y los fans siguen comprando CDs. 

Hay que aprender el oficio y hacer la mejor música posible, cultivar la relación con los fans, hacer que el merchandising y los productos físicos generen ingresos y ser creativo a la hora de producir y promocionar el arte en la era digital.

Éxitos!

Historia del CD: 40 años del disco compacto.

 Hace un poco mas de cuarenta años, el mundo vio por primera vez lo que se convertiría en uno de los dispositivos musicales más importantes de la historia: el disco compacto (CD).

El CD se inventó en 1979. En una época anterior a la existencia de la música en línea, se convirtió en la forma más sofisticada de almacenar y reproducir música.

En el 25º aniversario de su primer lanzamiento al público, se calculaba que se habían vendido 200.000 millones de CD en todo el mundo.

Aquí tienes todo lo que necesitas saber sobre el CD.

¿Qué es un CD?

En 1979, el primer prototipo de CD se dio a conocer a los entusiastas de la tecnología en Europa y Japón. Un año después, las empresas de electrónica Philips y Sony se asociaron para empezar a trabajar en los CD para el público.

Se decidieron por un disco de almacenamiento delgado, brillante y circular, que podía contener unos 80 minutos de música y que podía colocarse en un reproductor de CD para reproducir música a todo volumen.

Los CD se pusieron a disposición del público en 1982 y rápidamente se convirtieron en la forma más eficaz de almacenar música.

Antes de los CD, la música se almacenaba y reproducía en vinilos y cintas de casete.

Los discos de vinilo eran mucho más grandes que los CD y podían romperse fácilmente.

Las cintas de casete utilizaban cinta magnética y la música se reproducía de izquierda a derecha. Una vez terminada una cara, se le daba la vuelta para escuchar más canciones en la otra.

Aunque las cintas de casete eran pequeñas, los CD pronto se hicieron más populares porque se podía saltar directamente a la canción que se quería escuchar.

En 2007 se habían comprado y vendido más de 200.000 millones de CD en todo el mundo.

Datos curiosos.

.- El primer CD de la historia fue un álbum de 1982 del grupo pop sueco Abba llamado The Visitors

.- El CD más vendido de todos los tiempos es el de Eagles 1976 Greatest Hits, que vendió más de 38 millones de copias.

.- Si se apilaran todos los CD del mundo, darían seis vueltas a la Tierra.

.- Un programa de la BBC llamado Tomorrow's World presentó el CD al público británico en 1981. El presentador Kieran Prendiville se mostró escéptico sobre "si existe un mercado para este tipo de discos". Lol.